BALANCEANDO COLLAGES COMPLEJOS CON ELEANOR SHAKESPEARE

Apenas unos años después de terminar sus estudios, Eleanor Shakespeare se ha forjado una carrera diversa como ilustradora y educadora con dos libros publicados y un tercero en camino. Nos habla de la amplia gama de proyectos en los que ha trabajado y de cómo crea sus imágenes. Pincha aquí

Los diseños de Eleanor son construcciones sin costuras que hacen un buen trabajo al subestimar cuántos elementos variados están en funcionamiento. Utilizando colores cuidadosamente seleccionados y un conjunto selecto de marcas dibujadas, es capaz de equilibrar las colecciones de piezas que utiliza, que son bulliciosas y complejas.

Ella entra en más detalles sobre este proceso, así como sobre cómo encontrar inspiración en el trabajo que hace con sus estudiantes.

Soy ilustradora de fotomontajes, combinando elementos dibujados a mano, texturas, color y efímero para crear mis imágenes. Trabajo predominantemente en Photoshop, collageando digitalmente usando todo y cualquier cosa que pueda encontrar.

Creo página tras página de texturas de tinta, recorte papel y garabatos, que luego escaneo y estratifico en mis ilustraciones. Dependo en gran medida de mi tableta Wacom y de las abundantes cantidades de ingredientes vitales para el té de mi consulta!

Encontré casi todas las imágenes que encontré en los archivos en línea de material libre de derechos de autor o de “derechos de autor no conocidos”. Son tesoros escondidos para gente como yo.

He estado ilustrando durante tres años desde que terminé la universidad y he trabajado en una amplia gama de briefs para clientes editoriales de todo el mundo. He hecho ilustraciones de comida para Waitrose, trabajo políticamente cargado para Times Higher Education y trabajo realmente personal para Therapy Today y The Globe & Mail.

Es un privilegio ilustrar ese tipo de historias. Da a la ilustración otra capa de significado: representar visualmente un texto muy íntimo.

Cuando no estoy en mi escritorio, trabajo como artista en residencia para una escuela en el sur de Londres. También dirijo talleres de collage en escuelas de la capital y del sur de Inglaterra.

Los adolescentes tienden a traer un nivel diferente de entusiasmo e inspiración que simplemente no se puede conseguir navegando por Internet. También me anima a trabajar manualmente, algo que me esfuerzo continuamente por hacer, pero no siempre tengo tiempo.

Mi primer libro, ‘Collage and Keep’, fue publicado en el Reino Unido en septiembre de 2015 y ahora está disponible en Estados Unidos y en varios países de Europa. Mi segundo libro ‘Cortar, Pegar, Crear’ salió en septiembre de 2016, ¡así que los ojos bien abiertos!

 

 

 

LOS ELEGANTES DISEÑOS GEOMÉTRICOS Y BOCETOS DE JAIME HAYDE.

Formas geométricas elegantes y líneas de trabajo intrincadamente detalladas caracterizan los diseños vectoriales de Jaime Hayde. Nos habla de su formación en diseño y de cómo pasó a dedicarse exclusivamente a la ilustración.

Es muy interesante ver las páginas del libro de bocetos de Jaime, más de las cuales se pueden ver en su sitio web. Trabajando con papel cuadriculado, mapea cuidadosamente las curvas, formas y ángulos que conforman su estilo pulido.

Entra en más detalles sobre esta forma de trabajar, así como sobre el camino que siguió desde sus primeras experiencias con el arte hasta llegar a donde le ha llevado su trabajo en la actualidad.

Desde que tengo recuerdos, dibujar y explorar el mundo imaginario con papel y lápiz ha sido mi mayor pasión. Hago ilustración y diseño gráfico.

Después de graduarme, trabajé como diseñador gráfico en branding. Esta experiencia me condujo a la ilustración que se convirtió en mi amor y obsesión recién descubiertos. Naturalmente, después de que este nuevo amor se hizo más grande, mi única opción fue seguir trabajando como ilustrador para varias empresas.

Mi trabajo de firma tiene un lenguaje visual simple, despojado de detalles excesivos. El concepto original se ve fácilmente en el resultado final.

De este modo, el mensaje que se pretende transmitir es eficaz, lo que es realmente importante. Durante la universidad, descubrí a los modernistas americanos, su trabajo me dio una nueva dirección y una nueva filosofía.

Me encanta dibujar sobre papel porque esta es mi forma natural de hacerlo, así que trato con colores, formas, líneas y con diferentes técnicas como marcadores, acuarelas o simplemente bolígrafos.

Siempre llevo un cuaderno de bocetos en mi mochila y algunos lápices, el cuaderno de bocetos no siempre es el mismo, por eso tengo seis en uso. Un detalle importante sobre esto es que uso los viejos cuadernos que mis hermanitos dejaron después de la escuela.

Me considero una persona muy curiosa y mi curiosidad me hace interesarme por trabajar en todo tipo de proyectos; colaborando con estudios de diseño gráfico, agencias de publicidad, construcción de entornos digitales, ilustración de prensa, aplicaciones, etc.

Al mismo tiempo, disfruto creando retratos personales por encargo, esto me da la oportunidad de conocer a mucha gente de todo el mundo y eso es genial.

UN PROCESO ORGÁNICO DE DESECHOS A IMÁGENES PULIDAS CON ANGELA RIO

Dejar espacio para que sus materiales guíen la dirección de su trabajo es una parte importante del proceso creativo de la escultora de papel, Angela Rio. Nos habla del énfasis que pone en reciclar las sobras y los recortes en sus diseños y de la forma en que las piezas evolucionan orgánicamente hacia la imagen final.

Aunque ella trabaja a partir de bocetos e ideas iniciales, la forma en que Angela trabaja suena muy natural, tomando decisiones de diseño a medida que surgen en lugar de fijarse en un camino específico.

Nos cuenta más sobre esto, así como las herramientas y el equipo técnico que utiliza para terminar con ilustraciones finales tan pulidas.

Trabajo con papel para equilibrar forma, tacto y color en una imagen. Mi proceso depende en gran medida de ser ingenioso con materiales de desecho hechos de cualquier cosa, desde papel, madera, cartón, plexiglás, película transparente o espuma de poliestireno.

La escala de la pieza se determina una vez que encuentro algunas piezas que funcionan con mi boceto, entonces puedo empezar a cortar formas con tijeras o una hoja x-acto para construir mis pequeñas esculturas de papel. Aquí es cuando la experimentación juega un papel importante. Dependiendo del material, usaré pintura o bolígrafos para embellecer las piezas con un patrón geométrico o expresión facial.

Todo comienza a construirse en mi desordenado escritorio, encontrando estabilidad con una pistola de pegamento caliente, alambre y cinta adhesiva, hasta que esté listo para ser fotografiado en mi escritorio limpio.

Trato de mantener una variedad de papel grande de colores que pego con cinta adhesiva contra la pared como telón de fondo. La perspectiva de mi toma depende del boceto, así que siempre hay un período de reajuste de los pedazos de papel, las luces y los deflectores de paraguas para encontrar el ángulo predeterminado y el punto focal.

Una vez que encuentre el punto dulce, dispararé con mi Canon Rebel T3. Entonces, por curiosidad, dispararé con las luces en un ángulo diferente.

Llevo todas mis fotos a mi escritorio para verlas más de cerca, buscando la toma perfecta que esté enfocada con la iluminación más dinámica. Entonces me tomaré la libertad de retocar con photoshop cualquier exceso de pegamento o arañazos en la imagen.

Dependiendo de la dirección de arte, podría editar en algunos tratamientos de tipo o espacio de fondo extra para hacer espacio para copiar. Finalmente, cuando el brillo y el tono están donde quiero, ¡puedo llamarlo completo!

Puede parecer mucho tiempo y energía para una ilustración, pero se siente como un juego. Hay muchas oportunidades para dejar de pensar en las cosas y olvidarte de lo que te rodea.

Solía ser pintor de acrílico, pero después de un accidente de bicicleta necesitaba encontrar una manera de hacer arte que no dependiera sólo de una mano y un pincel. Este proceso requiere experimentación con todo mi cuerpo y todas mis sobras.

GRÁFICOS POLIFACÉTICOS EN VARIADAS ARTES VISUALES DE PAUL LOUBET

Las múltiples iteraciones de la obra de Paul Loubet son tan variadas y dinámicas como su propia estética. Como él mismo lo describe, se trata de desarrollar un conjunto completo de habilidades, acercándose a su arte de la misma manera que los artistas que lo inspiran.

Desde ropa, estampas e ilustraciones editoriales, cómics y carteles, hasta pinturas e instalaciones, Paul se entusiasma al explorar nuevos caminos con su trabajo.

Aunque cubre una amplia gama de áreas, es fácil distinguir su firma en lo que crea. El elenco de personajes, escenas bulliciosas y un sentido del humor único son los hilos que atraviesan su vibrante estilo.

Soy Paul Loubet.

Soy francés. Vivo entre Buenos Aires y Europa. Bueno. De hecho, he estado viviendo en Argentina durante 6 años, y en realidad he estado en París con mi esposa durante algunos meses.

Me encanta conocer nuevos lugares y viajar. Es inspirador.

Así que tengo que adaptar mi trabajo a ese hecho. Cuando tengo acceso a un taller, me encanta pintar lienzos masivos. Pero cuando no lo hago, bueno, produzco una especie de pinturas, dibujos o ilustraciones digitales simplistas. Viajo con una paleta de colores muy limitada. Y para quitarme el deseo de cosas grandes, pinto paredes.También hago tatuajes.

No estoy seguro de lo que soy. ¿Artista, diseñador gráfico o ilustrador? Porque estoy haciendo garabatos, la gente piensa que soy sólo un ilustrador, pero yo pienso que soy más de artes gráficas porque a veces me enfoco más en la tipografía, las formas, el contraste y el impacto que en contar historias.

Por eso soy un nostálgico de los viejos artistas gráficos como Savignac o Cassandre, cuando les pedían que hicieran todo desde el principio hasta el final. E irónicamente, mis lienzos como artista son tal vez más ilustrativos, porque pinto escenas llenas de personajes, como un lienzo naif post apocalíptico.

Siempre me ha fascinado la estética del arte outsider o del arte brut (desde el graffiti de los años 70 en NY hasta las cartas de GSL y las alfombras afganas), y recientemente me han obsesionado los pintores abstractos modernistas.

Así que creo que mi trabajo es una extraña mezcla de todo eso. Pero siempre por el prisma de la ironía y un toque de ingenuidad. Para hacer cosas, siempre necesito tener un propósito. Podría ser una cita, una idea o un trabajo. Por eso me encanta trabajar para la gente. Es difícil para mí empezar de la nada.

Así que aquí estoy, a veces trabajando para algunos editoriales, a veces mostrando lienzos en galerías, a veces pintando paredes, a veces imprimiendo serigrafías, a veces haciendo libros, pero siempre probando cosas nuevas.

 

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DESCONCERTANDO LO EXTRAÑO Y MARAVILLOSO CON PIERRE-PAUL PARISEAU

La obra de Pierre-Paul Pariseau se adentra con gusto en lo extraño y extravagante. Utilizando imágenes desconcertantes de lo que debe ser una colección montañosa de recortes, Pierre-Paul crea ilustraciones ácidamente vívidas que son más a menudo juguetonamente del centro o de izquierdas.

A continuación, Pierre-Paul nos lleva en un recorrido en profundidad a través de su proceso de generación de ideas, la búsqueda de imágenes adecuadas, y cómo él lo une todo.

Describiré paso a paso, lo más claramente posible, cómo hago una imagen. Por ejemplo, hablemos de la creación de una imagen para un artículo de revista.

Empiezo leyendo, algunas veces, el artículo y lo dejo calentar en mi mente durante algunas horas, luego recojo todo tipo de recortes que están relacionados con el tema.

Tengo muchas cajas llenas de estos recortes en mi estudio, más o menos clasificadas por categoría. También busco en revistas y otras fuentes para encontrar más elementos si es necesario.

Buscando esto, mantengo mi mente abierta en caso de que encuentre algo interesante que no esté necesariamente relacionado con el tema pero que sin embargo pueda ser útil. Es importante sorprenderme a mí mismo, no llegar absolutamente al final con la imagen que tenía en la cabeza cuando empecé.

Muchas veces (pero no siempre), al final, las mejores fotos son las que se imaginaron a lo largo de todo el proceso, sin tener en mente una idea clara al principio.

Después de haber recogido más o menos lo que necesito para empezar, escaneo cada recorte y les aplico, en Photoshop, un alto contraste de blanco y negro (lo que les quita el color).

Para conseguir el contraste perfecto, a veces tengo que hacerlo por partes en la misma pieza. Luego hago que cada artículo sea transparente. Es sobre una forma similar, debajo, que pongo el color. Repito esto para todos los elementos escaneados. Compongo la foto así, pieza por pieza.

Por supuesto, a menudo vuelvo a buscar los mejores recortes necesarios para completar la imagen y saco los que no me parecen realmente adecuados.

Los colores pueden ser añadidos también colocando una capa hecha a mano de acuarela, pintura acrílica, lápiz de color, etc. bajo la capa de blanco y negro que ahora es transparente. Estos colores pueden ser utilizados independientemente también, sin una capa superior.

Se pueden añadir líneas hechas con lápices y así sucesivamente. Uso mi lapicera de vez en cuando. Tengo la intención de añadir más de estas texturas hechas a mano en mi trabajo en el futuro. A veces desplazo la capa coloreada de modo que no está exactamente debajo de la transparente.

Por supuesto, puede haber otras características que uso en Photoshop dependiendo de la necesidad, pero básicamente así es como trabajo. Cuando pienso que la foto está hecha, la dejo dormir un poco y vuelvo más tarde (después de una buena caminata afuera, por ejemplo) mirándola con la mente más fresca. Puedo hacer un cambio de última hora si es necesario.

Deseo que mi ilustración pueda cuestionar, divertir, crear una sonrisa, un rompecabezas y, por supuesto, estimular al lector a leer el artículo.

 

 

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